Contents
Английский художник Гленн Браун
Современный английский художник Гленн Браун (Glenn Brown) родился в 1966 году в местечке Хексем. Основной творческой изюминкой Брауна является заимствование сюжетов картин известных художников прошлых эпох — в основном сюрреалистического направления, таких как Говерт Флинк, а также реконструкция работ современных художников. Сам Глен Браун называет свою технику рисования «искусствоведческими ссылками», что привлекает к его творчеству множество поклонников современной авангардной живописи.
Используя известные художественные приемы маньеризма, английский художник ломает стереотипы и грани между духовным и физическим, акцентируя внимание на ярких и порой галлюциногенных цветах в своих необычных картинах. От этого работы Брауна приобретают впечатление некого фантастического гиперреализма, но выполненного в классическом стиле сюрреалистических школ живописи
«Репродукция», 2014, масло на панели, воспроизведение работы Говерта Флинка
«Приведите безголовых лошадей», 2020, акрил и масло на панели
«Избавь меня», 2020, акрил и масло на панели
«Цветущий миндаль», 2010, масло на панели
Самые дорогие современные художники. Топ-5 самых дорогих современных российских художников
Миллионы долларов за российское и советское искусство. Отечественные художники не раз били рекорды на международных аукционах. Есть и некоторые закономерности: практически все они эмигранты и для всех так или иначе актуальна тема советского прошлого – спустя десятки лет на Западе оно оказалось в цене. Самые дорогие современные художники – в топ-5 от телеканала «МИР».
На пятом месте рейтинга художник Гриша Брускин. Мировая слава пришла к нему в 1988-м – тогда на российском аукционе «Сотбис» работу Брускина «Фундаментальный лексикон» продали за рекордную сумму – 300 тысяч долларов. Это превысило эстимейт, то есть начальную цену, в 12 раз. В 1999 году по приглашению немецкого правительства Брускин создал триптих «Жизнь превыше всего» для Рейхстага в Берлине. Сейчас 72-летний художник живет и работает в Нью-Йорке и Москве, а его произведения хранятся в главных музеях мира.
На четвертом месте нашего рейтинга – Семен Файбисович. В течение 30 лет его работы регулярно выставляются в Западной Европе и Соединенных Штатах. Файбисович – художник-фотореалист. За самую дорогую его работу «Солдаты» на аукционе отдали 400 тысяч долларов. Несмотря на то, что последние годы художник живет в Тель-Авиве, все творчество он посвятил Москве. В своих фоторепортажах он рассказывает о ежедневной жизни столицы. На его картинах – улицы, кафе и вокзалы. Работы Файбисовича находятся в собрании Третьяковской галереи, в музеях Германии, Польши и США.
На третьем месте – дуэт Василий Комар и Александр Меламид. В своих работах они соединили принципы американского поп-арта и пародийно переосмысленные черты соцреализма. В качестве арт-проекта организовывали так называемую «продажу душ» известных художников. Самая дорогая работа «Встреча Солженицына и Бёлля на даче у Ростроповича», ее стоимость 860 тысяч долларов. Комар и Меламид уже больше 40 лет живут в Нью-Йорке, их работы находятся в собраниях МоММа, Музея Гуггенхайма, Метрополитен-музея и Лувра.
На второй строчке рейтинга – еще один представитель «соцарта», художник Эрик Булатов. Он начинал как иллюстратор детских книг, позже стал сочетать в своих работах предметную живопись с текстом. С 1992 года Булатов живет в Париже, он стал первым российским художником, выставка которого прошла в Центре Помпиду. Его работы также хранятся в Третьяковской галерее, Русском музее и музее Людвига в Кёльне. Самая дорогая работа «Слава КПСС» была продана за 2 миллиона долларов. Купил ее Роман Абрамович.
На первом месте нашего рейтинга – российский художник Илья Кабаков . В 2008 году на аукционе в Лондоне его работу «Жук» продали за 5 миллионов 800 тысяч долларов. Чуть дешевле ушел «Номер люкс» – за 4 миллиона 100 тысяч долларов. Обе картины считаются самыми дорогими произведениями современного российского искусства. Илья Кабаков – основатель московского концептуализма, с 1988 года он работает в Нью-Йорке в соавторстве со своей женой Эмилией Кабаковой. Именно она в определенный момент настояла на том, что цены на работы супруга надо повысить. Расчет оправдался, теперь Кабаковы – самые дорогие российские авторы.
Патриция Пиччинини
Скульптуры Пиччинини порой сильно отличаются друг от друга: одни скульптуры представляют собой мотоциклы неправильной формы, другие — странные шары с горячим воздухом. Но в основном она создаёт скульптуры, стоять с которыми в одной комнате очень и очень неуютно. Они даже на фотографиях выглядят жутковато.
В работе 2004-го года «Неделимый» некий гуманоид прижимается к спине нормального человеческого ребёнка. Больше всего тревожит элемент доверия и привязанности — как будто невинность ребёнка жестоко использовали ему во вред.
Конечно, работы Пиччинини критикуют. Про «Неделимого» даже говорили, что это не скульптура, а некое настоящее животное. Но нет — это просто плод её воображения, и художница продолжает создавать свои работы из стекловолокна, силикона, и волос.
«Звездная ночь», 1889
«Звездная ночь», Винсент Ван Гог, 1889
Художник
Нидерландский художник с детства был тонко чувствующим и замкнутым ребенком. В юности он семь лет занимался оценкой и продажей картин в фирме своего дяди, где и обнаружил страсть к рисованию. Однако коммерция и искусство были для него несовместимы. Будучи сыном священника, он решил пойти по стопам отца: трижды пытался получить теологическое образование, но обостренное чувство прекрасного и справедливого не позволяло ему ладить с людьми.
Потерпев очередную неудачу, Ван Гог сосредоточился на творчестве и решил создать вместе с Полем Гогеном свою мастерскую. Но регулярные конфликты чувствительного Винсента с жестокой реальностью в итоге окончательно вывели его из равновесия: в 1889 году художник попал в психиатрическую лечебницу. Там он прожил год и написал большую часть своих картин. Через несколько месяцев после выхода из лечебницы Ван Гог, по основной версии, покончил жизнь самоубийством, выстрелив в себя из револьвера.
История
В мае 1889 года, во время очередного обсуждения планов с Гогеном, Ван Гог внезапно пришел в неистовство и набросился на друга с бритвой в руках. До конца не ясно, что именно произошло, но позднее ночью Винсент отрезал себе мочку уха. Его забрали в психиатрическую лечебницу в Арле, где через месяц после происшествия художник написал картину «Звездная ночь». И хотя Ван Гог изобразил вид из окна больницы, большая часть экспозиции вымышленная: ему было видно только пшеничное поле и небо.
Стиль
Ван Гог был постимпрессионистом. Художники этого направления стремились отойти отточного изображения предметов иотимпрессионистской фиксации момента. Для них напервом месте стояла задача показать фундаментальные смыслы, используя цвет иформы. Точность визображении реальных объектов теперь тоже была необязательна— главным стало выразить идею.
Вслучае скартиной Звездная ночь сам Ван Гог никак непояснял свою задумку. Искусствоведы полагают, что огромные вихреватые звезды отсылают крелигиозным чувствам: размышлениям оконце бытия, овечности
Важно отметить, что картина была написана накануне острого приступа Ван Гога виюле 1889 года: возможно онтворил всостоянии обостренного восприятия
Интересные факты
- Хотя картина стала одним изизвестнейших полотен Ван Гога, онвпереписке схудожником Эмилем Бернаром назвал её провалом. Ван Гог стремился писать снатуры иизбегать таких абстрактных элементов, как, например, завихрения света звезд.
- Самая яркая звезда накартине, расположенная справа откипарисов,— Венера, которая, помнению исследователей, действительно была таковой втовремя вПровансе.
Кролик
Художник: Джефф Кунс
Год: 1986
Кролик (1986) — Джефф Кунс
Нео-поп — это движение постмодернистского искусства, которое вдохновило и расширило влиятельное движение поп-арта. Подобно поп-арту, нео-поп фокусируется на узнаваемых объектах и знаменитостях из популярной культуры с иконами и символами настоящего времени. Джефф Кунс, пожалуй, самый известный художник нео-поп-движения. В частности, он известен прежде всего изображениями повседневных предметов, произведенных из нержавеющей стали с зеркальной отделкой поверхности. Кролик — это скульптура Кунса из нержавеющей стали, которая считается одной из его самых знаковых работ. Скульптура считается «шоковым искусством», стирающим границы между изобразительным искусством и искусством, не проявляющим чувствительности. В мае 2019 года Кролик был продан на аукционе Christie’s за 91,1 миллиона долларов, побив аукционный рекорд работы ныне живущего художника. Предыдущий рекорд принадлежал картине Хокни, о которой говорилось выше. По состоянию на апрель 2020 года, Кролик остается самой дорогой работой ныне живущего художника проданной на аукционе.
Влияние картин современных художников на людей
Как же влияет современное искусство на нас? Если вы вдумаетесь, то искусство окружает нас везде. Оно не только в музеях и галереях, но и на улице – на рекламных щитах и на домах, оно в городских или морских пейзажах, во дворах многоэтажных серых зданий и залитых солнцем вилл. Чтобы его увидеть – нужно смотреть и нужно чувствовать. И чувствовать – это главное, чему нас учат картины современных художников.
Чтобы их понять, нужно отключить всю свою рациональность и предвзятость и вывести на передний план свои эмоции и чувствительность, о которых мы так часто забываем
Научиться видеть красоту и смысл во всем, даже в полотне, на котором изображены непонятные фигуры или странные мазки, — самое важное, что мы можем взять от современного искусства
С ним мы также учимся эмпатии. Чтобы понять картину, нам нужно узнать ее историю, замысел художника, его эмоции. Уже после этого, когда мы прочувствуем это все и пропустим через себя, тогда мы сможем сделать свои собственные выводы и подумать, с какими событиями, чувствами или ощущениями из нашей жизни все это можно связать.
Современное искусство особенно сильно влияет на нашу способность думать. Согласитесь, бывает очень непросто догадаться, что же хотел сказать художник. И нам приходится рассуждать, рассматривать разные варианты и делать выводы, пусть даже иногда и не всегда правильные.
В конце концов, современные произведения искусства заставляют нас смотреть на все под другим, непривычным, углом. Они дают понять, что нельзя делить мир только на черное и белое, а искусство – на хорошее (высокое) и плохое. Все далеко не так просто, и часто за тем, что кажется простым и даже примитивным на первый взгляд, стоит огромный смысл, который невозможно осознать и принять, если не посмотреть на все под непривычным углом (вспомним «Черный квадрат» Малевича).
Современное искусство прекрасно в своем многообразии и необычности. И прежде, чем говорить: «Да мой маленький ребенок нарисует лучше», дайте шанс произведениям рассказать о себе и стать ближе и более понятными.
Бэнкси (Великобритания)
Этого граффитиста не знает никто и в то же время знает весь мир. Бэнкси известен как раз своей неизвестностью. Художник живёт, вот уже много лет удивительно эффективно скрывая свою личность. Несмотря на это, он оставляет свои работы на стенах домов по всему миру, проникает на закрытые военные территории и даже открывает отель в районе Сектора Газа с «худшим видом на свете».
Произведения Бэнкси — это высмеивание шаблонов, стереотипов и потребительской культуры нашего времени. То его картины самоуничтожаются прямо после продажи на аукционе. То он оставляет граффити, которые закрашивают как акт вандализма, а потом именно закрашивание его работ признается обществом как вандализм.
Бэнкси спонсирует спасение беженцев из Африки, открывает свой собственный анти-Диснейленд — «самый худший парк в мире». В нём Золушка выпадает из кареты под колеса, а на лодочке по реке катаются не дети, а беженцы в поисках спасения. Анонимный активист выпускает собственные фильмы и по-прежнему оставляет граффити на стенах, которые моментально становятся шедеврами стрит-арта. И даже самоизоляция 2020 года не остановила художника: за неимением привычного «холста» в виде городских улиц, Бэнкси разрисовал собственную ванную комнату.
Art: Jeff Koons «Gazing Ball, Ariadne» (2013)
«Кованые» картины
Смотря на картины Сергея Ковалева складывается впечатление, что они написаны не масляными красками, а выточены из металла
Авторская техника белорусского мастера привлекает внимание необычным художественным видением, игрой сета и постановкой композиционных элементов. Для воплощения творческого замысла художнику не требуется «тяжелая артиллерия» в виде наковальни, молота или щипцов
Достаточно холста, кисточек и набора специальных скребков, чтобы образы, возникшие в его голове, ожили на рабочем полотне.
Картины получаются рельефными, что еще больше придает им схожесть с чеканкой. Не случаен и выбор оттеночной гаммы, которая выдержана в золотисто-коричневой и медной колористике. Лица и фигуры, «выточенные» на холсте, кажутся объемными и живыми, а монохромность цвета только усиливает это ощущение. От работ художника веется романтизмом и душевностью. Но при этом они выглядят очень современно и оригинально.
Художник Владимир Любаров: социальные политические шаржи
Картины художника Владимира Любарова представляют из себя шаржи на актуальные политические и социальные темы. В 1995 году русский живописец создал свой первый цикл работ «Деревня Перемилово». В нем современный художник выражает жизнь российской глубинки, в котором соединяются фольклор и настоящее время, ирония и юмор, и реальность. Серия включает в себя более 300 работ. В 2020 году, Любаров начал создавать картины и на актуальные политические темы, юмор которых состоит в синтезе и одновременном конфликте западной политической идеологии и русской народной мудрости.
Инстаграм Владимира Любарова: @v.lubarov
«Трампу понравился перемиловский квас», масло, холст, 2020
Флешмоб «Белые шарики», масло, холст, 2012
«Трамп ухаживает за Любой», 2020, масло, холст
Виниций Кесада
Живущий в Бразилии современный живописец Виниций Кесада, известный также работами в жанре стрит-арта, свои полотна создает с помощью кисти. В этом отношении он выглядит на фоне остальных рассмотренных в подборке творцов натуральным консерватором. Однако и он достоин составить компанию людям, попавшим в категорию «самые необычные художники».
Дело в том, что удивительной красоты картины бразилец пишет всего тремя цветами — зеленым, желтым и красным. Причем вместо красок Кесада пользуется своими телесными жидкостями. Например, для получения красного оттенка, ему приходится жертвовать собственной кровью. Но зато его работы, будь это буровая платформа в беспокойном море или портрет Хью Лори в образе доктора Хауса, оставляют неизгладимое впечатление в душе ценителя. А еще художник составляет геометрические коллажи, большей частью посвященные теме космоса.
Тецуя Исида
На акриловых картинах Исиды люди часто превращаются в такие объекты, как упаковка, конвейерные ленты, писсуары или даже подушки для геморроя. У него есть и визуально приятные картины, на которых люди сливаются с природой или убегают в волшебную страну своего воображения. Но такие работы куда тусклее картин, на которых работники ресторанов превращаются в манекенов, закачивающих в клиентов еду так, как будто они обслуживают автомобили на АЗС.
Независимо от мнения по поводу точности и проницательности художника или яркости его метафор нельзя отрицать, что стиль у его работ жуткий. Любой юмор у Исиды идёт рука об руку с отвращением и страхом. Его карьера подошла к концу в 2005-м году — 31-летнего Исиду сбил поезд, и почти наверняка это было самоубийство. Оставленные им работы оцениваются в сотни тысяч долларов.
Ибрагим Эль-Салахи
Судан
В 1970-е африканский художник-модернист был ложно обвинен в антиправительственной деятельности и без суда отправлен в тюрьму. Сначала он провел несколько месяцев в камере, после – под домашним арестом. В тот период он рисовал – и прятал работы в грязи, чтобы охранники их не заметили. После освобождения Салахи объединил эти картины в серию «Тюремные дневники» – получилась хронология из 37 листов. Среди них есть как изображения, так и тексты – и все эти мрачные работы рассказывают о жизни за решеткой. Впоследствии «Тюремные дневники» купил MoMA (Музей современного искусства в Нью-Йорке).
View on Instagram
Одной из самых известных картин суданского живописца стали «Деревья». Это яркие цветные полосы – собственно, деревья – поверх и позади белых пятен (что понимать под ними – личное дело каждого зрителя). В остальном же на полотнах преобладают приглушенные коричневые, серые, зеленые и синие оттенки, причудливые фигуры, искаженные изображения людей и необычные, как будто даже магические символы.
Работы Ибрагима Эль-Салахи экспонировались в галерее Tate Modern в Лондоне, в галерее Sharjah Art Foundation в Шардже (ОАЭ), в музее Ashmolean в Оксфорде.
View on Instagram
View on Instagram
Небесное зеркало
Художник: Аниш Капур
Год выпуска: 2001
Небесное зеркало, Ноттингем (2001) — Аниш Капур
Известный своими абстрактными скульптурами, Аниш Капур является одним из самых критикуемых современных художников с многочисленными наградами. Небесное зеркало — это общественная скульптура, установленная возле театра в Веллингтонском цирке, Ноттингем, Англия. При весе более 10 тонн и диаметре 6 метров, это вогнутая тарелка из полированной нержавеющей стали, наклоненная к небу. С 19 сентября по 27 октября 2006 года, большая версия Небесного зеркала была установлена на Рокфеллер-центр в Нью-Йорке. Она имела диаметр 10 метров, весила 23 тонны и в высоту была равна примерно трем этажам. Версии Небесного зеркала также существуют в Эрмитаже в Санкт-Петербурге, Россия, и Музее современного искусства Де Понта в Тилбурге, Нидерланды. Захватывающее произведение искусства, которое предлагает зрителям потрясающие впечатления и яркую инверсию горизонта, Небесное зеркало — одна из самых известных общественных скульптур в мире.
Дэвид Хокни
Великобритания
Работы этого британского художника реалистичные, контрастные, яркие. Объекты и фигуры он изображает объемно, а линии и очертания – довольно четкие и явные
Трудно не обратить внимание на то, что Хокни словно переносит на себя красочность своих картин и само искусство – он сочетает изумрудные брюки с фиолетовым полосатым джемпером, а желтый галстук с пастельно-голубой рубашкой. Кажется, работа с цветом – важная и даже неотъемлемая часть его творчества
За счет оттенков и теней и создаются те самые объем и живость фигур на его полотнах. Они будто бы солнечные, искрящиеся. Во вселенной Дэвида Хокни вода в бассейне ярко-бирюзовая, а деревья могут быть как зелеными, так и синими или неоново-фиолетовыми. Вдохновение художник нашел в Калифорнии, куда переехал в 1960-е. Кроме классической живописи – красками и прочими привычными инструментами, британец экспериментировал с пленочными снимками, пробовал работать в жанре коллажа, а позже и вовсе начал создавать цифровые картины. Работы Дэвида Хокни экспонировались в парижском Центре Помпиду, в галерее Tate Britain в Лондоне (билеты на эту выставку были распроданы еще до ее открытия), в галереях США, Германии, Великобритании, Нидерландов, Японии – все несколько сотен выставок перечислить тут просто невозможно. Кроме того, художник сотрудничал с журналом Vogue – он создал портретный коллаж для обложки.
View on Instagram
View on Instagram
View on Instagram
«Апофеоз войны»
Встречаются необычные картины, подобно «Крику» Мунка погружающие взирающего на них зрителя в печальные мысли. Они вынуждают видеть и тот смысл, который, вероятно, автор вовсе не вкладывал в собственное творение. Так, непростые чувства обуревают и человека, смотрящего на полотно русского художника-баталиста Василия Верещагина «Апофеоз войны».
Живописец не только вблизи наблюдал ряд военных конфликтов, выпавших на долю Российской империи во второй половине XIX столетия, но также участвовал в боевых столкновениях и имел ранения. Да и погиб Верещагин, чье творчество впитало доблесть русских солдат и офицеров, а также неприглядную трагедию вооруженной бойни, во время Русско-японской войны. Художник подорвался вместе с броненосцем «Петропавловск» на вражеской мине 13 апреля (по новому стилю) 1904 года.
«Апофеоз войны» сам создатель с грустным сарказмом именовал «натюрмортом», на котором отображена «мертвая природа». Тема смерти и отчаяния, неизменная при любой войне, четко видна в горе черепов, возвышающейся на переднем плане картины. В желтых красках, отражающих болезненность композиции. В чахлых, лишенных жизни деревьях. В выискивающих, чем поживиться на этом могильнике, воронах. И в разрушенном городе, что видится немым укором погрязшему в войнах человечеству.
Но удивительнее то, что, как признают искусствоведы и ценители, если продолжительное время вглядываться в холст, глубина и эмоциональность картины начинают проникать внутрь зрителя. И за каждым истерзанным черепом он начинает видеть отдельную искалеченную судьбу, оборванную чужой волей. Оторваться от «мертвого натюрморта» с каждой минутой становится только труднее.
Anselm Reyle (DIOR)
Современный немецкий художник утверждает, что в ранние годы мода его не увлекала, но этот факт ему не помешал трансформировать произведения классики от дома Dior в эффектные и восхитительные. На изображении представлен Ансельм на фоне своей исключительной инсталляции с применением мятой фольгированной материи.
В прочтении дизайнера сумки Lady Dior приобрели новейшее восхитительное сияние, а типичный для бренда каннаж получил облик озорной несимметричной отсрочки.
А вдобавок к этому – камуфляжное облачение. Декоратор решил, что работая на известную марку, он сможет показать, как орнамент, который имеет предназначение прятать, трансформируется в замечательный способ привлечения интереса к творению. Ослепительная инсталляция с наименованием Untitled идеально показывает манеру созидания автора.
В своем будущем творчестве Anselm Reyle пытался применить абстрактную безграничную расцветку взамен полотна, где гармония стиля и искусства работает в двойственной направленности. Замечательно олицетворяет его дизайнерский дух восхитительный пластиковый браслет в насыщенной розовой гамме.
Ослепительное украшение в ярко-желтой оттеночной палитре с геометрическим узором.
Неповторяемое колье с пластиковыми деталями и искусственными жемчужинами. Дополняет несравненный облик кожаный ремешок и массивные металлические кольца.
Элегантные очки из коллекционной серии Dior Lady Lady с яркой оправой цвета фуксии, уникальным орнаментом и эмблемой бренда.
Роскошная сумочка Lady Dior из металлизированной фиолетовой кожи, золотистым узором и насыщенными подвесками из пластмассы.
Красочный кошелек из колоритного камуфляжа сможет дополнить изысканный и невероятно стильный образ.
Облачные ворота
Художник: Аниш Капур
Год: 2006
Облачные ворота (2006) — Аниш Капур
Облачные ворота — это общественная скульптура, которая является центральным элементом площади AT&T в Миллениум-парке, Чикаго, самом густонаселенном городе в американском штате Иллинойс. Она состоит из 168 пластин из нержавеющей стали, сваренных вместе и размещенных на земле. Её размеры 10 на 20 на 13 м и вес около 100 тонн. Скульптура получила прозвище «Боб» из-за ее формы — название, которое Аниш Капур изначально не любил, но позже полюбил. Облачные ворота посещают тысячи посетителей каждый день, наблюдая за скульптурой под разными углами и прогуливаясь под ней. Мэр Чикаго Ричард М. Дейли объявил 15 мая 2006 года днем открытия скульптуры «Днем облачных ворот». С момента установки скульптура стала одним из самых известных общественных произведений в мире. Журнал TIME описывает это как важную возможность для фото и больше как место назначения, чем произведение искусства; New York Times пишет, что она является «туристическим магнитом» и «экстраординарным объектом искусства«; в то время как USA Today описывает скульптуру как монументальное абстрактное произведение. Облачные ворота — самое известное произведение современного художника.
Портрет художника (бассейн с двумя фигурами)
Художник: Дэвид Хокни
Год: 1972
Портрет художника (бассейн с двумя фигурами) (1972) — Дэвид Хокни
Поп-арт был влиятельным движением искусства 20-го века, которое включало в себя изображения из популярной культуры. Дэвид Хокни считается одним из самых выдающихся деятелей движения поп-арт и эта картина является одной из самых известных его работ. Бассейн был постоянным мотивом на картинах Хокни, когда он писал серию двойных портретов с 1968 по 1977 год. Таким образом, эта картина объединяет две выдающиеся темы Хокни в его картинах того периода: бассейн и двойной портрет. «Портрет художника» изображает две фигуры: одна плывет брассом под водой, а другая смотрит на пловца. Человек за пределами бассейна одет в строгую одежду. В ноябре 2018 года «Бассейн с двумя фигурами» был продан за 90,3 миллиона долларов США на аукционе Christie’s в Нью-Йорке, что стало рекордом по самой высокой цене, когда-либо уплаченной на аукционе за картину живого художника.
Джо Фрэнсис Доуден
Джо Фрэнсис Доуден — профессиональный британский художник, выполняющий свои работы акварелью. Он специализируется на создании пейзажей (как лесных, так и морских). Работы Доудена находятся в частных коллекциях США, Австралии и Дальнего Востока.
Когда ему исполнилось двадцать три года, он бросил свою работу по созданию сайтов и устроился мойщиком окон на полставки. В свободное время он пишет картины. А работа мойщиком позволяет ему находить неизвестные ранее виды для будущих пейзажей.
Работы Доудена наполнены деталями и поражают реалистичной передачей текстуры и объема. Ключевым элементом акварельной живописи художник считает именно свет
А поэтому и советует всем, кто хочет научиться акварельной живописи, обращать внимание на свет, ведь именно он оживляет любой пейзаж
Доуден не просто обожает писать картины, а и готов охотно делиться своими знаниями со всеми желающими – видео с мастер-классами художника можно найти на YouTube.
Большой всплеск
Художник: Дэвид Хокни
Год: 1967
Большой всплеск Дэвида Хокни
Самая известная работа Хокни «Большой всплеск» — это большая картина в стиле поп-арт размером 242,5 × 243,9 см. На ней изображен залитый солнцем бассейн в Лос-Анджелесе. Помимо бассейна, на картине изображено розовое модернистское здание, пустой стул и тонкие пальмы. Кроме того, отражение соседнего дома можно увидеть на стекле окна розового дома. Однако что делает работу интересной, так это то, что она лишена человеческого присутствия. Показан всплеск, но зритель остается в недоумении, кто нырнул в бассейн. Большой всплеск был создан с тщательностью Хокни, расширяя его более ранние картины под названием «Маленький всплеск» (1966) и «Всплеск» (1966). Хокни позже сказал о картине, что он «понял, что всплеск никогда не мог быть таким в реальной жизни, это происходит слишком быстро. Его это позабавило, поэтому он нарисовал этот момент замедленным».
Рисование светом
www.lightpaintingphotography.com
Как ни странно, самые первые практики световой живописи не воспринимали её как искусство. Фрэнк и Лилиан Гилбрет занимались проблемой повышения эффективности промышленных рабочих. В 1914-м году пара начала использовать свет и камеру для того, чтобы записать некоторые движения людей. Изучив полученные световые образы, они надеялись найти способы сделать работу персонала легче и проще.
www.tutophoto.com
А в искусстве этот метод начал использоваться в 1935-м году, когда художник-сюрреалист Ман Рэй использовал фотокамеру с отрытым затвором для того, чтобы снять самого себя, стоящего в потоках света. Очень долго никто не догадывался о том, что это за световые завитки изображены на фото. И только в 2009-м году стало ясно, что это не набор случайных световых завитков, а зеркальное отображение подписи художника.
Какие тренды в современном искусстве сейчас существуют
Казалось бы, когда вокруг столько разных видов искусства, начиная с инсталляции и заканчивая видеоартом, традиционные рисованные картины могли бы потерять свою актуальность. Но на удивление этого не произошло. Напротив, картины пользуются большим спросом, их продолжают писать и продавать за большие деньги.
Предметом современного искусства может быть что угодно
И это не преувеличение. Что бы вы в данный момент ни увидели около себя – этот предмет может стать предметом искусства, если придать ему определенный смысл и начать воспринимать через эмоции.
Новые программы, превращающие картины с планшетов в настоящие полотна из масла
Многие современные художники создают свои картины на планшетах. Благодаря определенным программам позже эти изображения можно распечатать и превратить в настоящие полотна.
Брюс Науман
США
View on Instagram
Первое, что приходит на ум, когда слышишь имя этого художника, – неон. Брюс Науман создает цветные неоновые надписи, композиции из слов и фраз, человеческие фигуры, спирали и другие объекты. Но на своем творческом пути он пробовал многое – фото, видео, инсталляции, голограммы, скульптуры, перформансы. А начинал и вовсе с художественных экспериментов над собственным телом. Кажется, мотив человеческого тела и его частей сохранился в творчестве Наумана – например, в скульптурах в виде рук и ладоней, многочисленных образах людей в движении, созданных из неоновой проволоки. Брюс Науман – обладатель сразу двух «Золотых львов» Венецианской биеннале. Его арт-объекты экспонировались в галерее Tate Modern в Лондоне, музее современного искусства MoMA в Нью-Йорке, в художественном музее Гамбургский кунстхалле в Германии, а также в выставочных залах Бельгии, Швеции, Испании, Франции, Южной Кореи и других стран.
View on Instagram
Вероятно, вам также будет интересно:
13 популярных российских художников, которые живут в наше время
12 фильмов о художниках и скульпторах, которые вдохновляют
Понюхайте искусство: как запахи влияют на память и эмоции
Аниш Капур (Индия)
Не отстаёт от китайского художника по популярности и индийский скульптор Аниш Капур. Детство он провёл в Индии, а учился и работал уже в Великобритании. Тенденция переезжать в западные страны, которую демонстрирует Аниш, не нова: заработать искусством в Индии весьма сложно.
Недавний скандал с Капуром лишь способствовал его популярности. Он якобы изобрёл «самую чёрную в мире» краску и приобрёл на неё права. Следом полилась река негодования, и другие художники стали изобретать свои «самые розовые» краски, высмеивая Капура. Но эффект был произведён: скандальные инсталляции и необычные арт-объекты скульптора получили свою порцию внимания.
Аниш экспериментирует со звуковыми и зеркальными материалами, а за некоторые свои творения и высказывания постоянно попадает под прицел политиков и СМИ. Его произведения часто подрывают авторитет американских и китайских властей, за что однажды художник оказался в тюрьме. Но своенравный скульптор не останавливается и продолжает смело нарушать все существующие каноны и границы искусства. Его творческое и политическое упорство награждено самыми лучшими художественными премиями, работой для Олимпийского комитета и правительств разных городов и стран.
Anselm Kiefer «The Evening of All Days, the Day of All Evenings» (2014)
Американский художник Джон Каррин
Художник Джон Каррин (John Currin) родился в 1962 году в штате Колорадо, США. В юном возрасте он брал частные уроки живописи у русско-американского художника Льва Межберга, что значительно сказалось на его дальнейшем творчестве. Современный мастер живописи использует классические фигуративные приемы чтобы изобразить социальные табу на обнаженное тело.
Во время своей первой персональной выставки в Нью-Йорке, Джон Каррин также работал в издании «Playboy», где иллюстрировал страницы журнала изображениями, напоминающими американские постеры пин-ап середины 1950-х годов. Работа в таком именитом и пикантном журнале не смогла не сформировать дальнейшие взгляды современного художника на собственное творчество. Его жена Рейчел Файнштейн часто служит моделью для работ Джона Каррина и также является художницей. В 2011 году американский ежедневник «The New York Times» признал чету самой влиятельной парой в мировом искусстве. Творчество Каррина порой носит карикатурные черты, а также преувеличенные и часто искаженные формы фигуративных образов в его работах.
«После позднего завтрака», 2000, масло, холст
«Менады» 2015, масло, холст
«Бесконечная история», 1994, масло, холст
«Старый мех», 2010, масло, холст
