История музыки. пять этапов от истоков до современности

5 место — The Rolling Stones

Будущие фронтмены The Rolling Stones Мик Джаггер и Кит Ричардс познакомились еще в начальной школе, но общаться начали только через семь лет. Тогда они выяснили, что оба сходят с ума от блюза. Ребята решили подтянуть Дика Тейлора, их общего знакомого, и создали группу Little Boy Blue and The Blue Boys.

В следующем году они пришли на выступление Blues Incorporated в клубе Ealing, где играл Брайан Джонс. После концерта Мик и Кит познакомились с исполнителем, а позже и с лидером коллектива Алексисом Корнером. Ребята дали ему послушать свои демки и скоро Корнер начал подтягивать ребят на сцену.

А вот Брайан Джонс решил собрать собственную группу и стал искать новых музыкантов через газету Jazz News. На объявление откликнулся пианист Иэн Стюарт, и скоро парни начали творить. Позже Джаггер и Ричардс пришли на одну из репетиций, где вся четверка решила играть вместе.

В июле 1962 Blues Incorporated пригласили на BBC, но в это время у коллектива было запланировано выступление в клубе. Тогда Алексис Корнер предложил ребятам выступить в Marquee самим. Благодаря этому Джаггер, Ричардс, Тейлор, Джонс, Стюарт, а также барабанщик Мик Эйвори впервые вышли на сцену как The Rolling Stones.

В 1963 году имидж группы резко изменился. Популярные в то время The Beatles имели репутацию хороших парней, но некоторые их не принимали. Новый менеджер решил покорить эту аудиторию, и The Rolling Stones стала обретать репутацию бунтарей и хулиганов. Это сработало, но скоро раскрылась обратная сторона такого решения: фанаты на концертах крушили всё вокруг, дрались и устраивали свалки посреди танцпола. Зато после таких перформансов о группе узнавало всё больше людей.

Состав коллектива неоднократно менялся, но The Rolling Stones существует до сих пор. За столько лет исполнители выпустили больше 20-ти альбомов, отыграли более двух тысяч концертов по всей планете и вписали своё имя в историю мировой рок-музыки.

1762 год

Первый струнный квартет Йозефа Гайдна

Йозеф Гайдн. Портрет Томаса Харди. 1791 год

Составляющие квартета — две скрипки, альт и виолончель — с этого момента становятся главным составом камерной музыки вплоть до сегодняшнего дня. Это единственный типовой камерный состав эпохи классицизма, переживший все эпохи, стили и техники и по сей день являющийся испытательным полигоном для новых композиторских изобретений и открытий. (Широко распространенная легенда, что Гайдн был вынужден использовать только эти инструменты из-за отсутствия других музыкантов в капелле, для которой эта музыка была написана, не соответствует действительности.) На самом деле инструменты скрипичного семейства однородны по строению и их нижние звуки (открытые нижние струны) гармоничны друг другу. Поэтому они и образуют идеальный ансамбль в отличие от какого-нибудь виольного консорта, где все расползается из-за того, что все виолы разные и по-разному настроены.

  Серенада из Струнного квартета (соч. 3, № 5) Йозефа Гайдна

Рассуждения Килмер


Энн Драфкорн Килмер

Профессор Энн Драфкорн Килмер, которая работает куратором в Музее антропологии Лоуи в Беркли, потратила почти пятнадцать лет на расшифровку глиняных табличек, которые были обнаружены и раскопаны в Сирии французскими археологами в начале 1950-х годов! В итоге было подтверждено, что скрижали составляют «законченный культовый гимн и являются старейшей сохранившейся песней с нотной записью в мире…» Килмер, которая также является профессором ассириологии в Калифорнийском университете, работала вместе со своими коллегами Ричардом Л. Крокером и Робертом Р. Брауном над созданием окончательной записи и буклета о песне, которая получила лаконичное название «Звуки из тишины».

Ричард Крокер, коллега Килмер, добавляет:

Современные самые длинные композиции

  • «The Doors» — «The End». Эта композиция звучит 11 минут и 40 секунд. В 1974 году Nico выпустила альбом с аналогичным названием и исполнила эту композицию. Недавно эта песня была исполнена и Marilyn Manson , естественно, в своем оригинальном видении.

  • «Deep Purple» — «April». Композиция длиться 12 минут и 10 секунд.
  • Edge of sanity – Crimson. Это единственная песня на альбоме с одноименным названием. Ее продолжительность – 40 минут. В песне рассказывается о мире, где люди утратили способность продолжать свой род. Но в одном королевстве однажды появляется на свет девочка. Одни люди увидели в этом добрый знак, а другие посчитали, что это результат колдовства и предвестник государственного переворота. Композиция записана в стиле прогрессив-дэт-метал, поэтому может прийтись по вкусу далеко не всем. Да и любители тяжелой музыки должны будут постараться, чтобы осилить знакомство со столь длительной композицией.
  • Группа «Can». Творчество этой группы так же отличается наличием довольно длительных композиций — «Aumgn» длительность 17 минут 22 секунды, «Halleluhwah» — 18 минут 32 секунды, «Yoo Doo Right» — 20 минут 18 секунд.
  • «Genesis» — «Suppers Ready». Эта группа увеличивала длительность своих композиций постепенно. Н первых альбомах композиции укладывались в привычные 2-3 минуты, затем появились песни длинной в 7-8 минут. Рекордсменом тут стала композиция «Suppers Ready» длинной в 22 минуты и 54 секунды. Стоит так же отметить «The Cinema Show» в 11 минут 10 секунд и «The Musical Box» в 10 минут 25 секунд.
  • «Yes» — альбом «Tales From Topografic Ocean». Тут можно выбирать абсолютно любую песню с альбома, так как сама короткая песня идет 18 минут 35 секунд.
  • «UFO» — «Flying». Ее длительность 26 минут и 30 секунд.
  • «Sleep» — «Dopesmoker». Это альбом длиною в одну песню, его продолжительность 63 минуты и 31 секунда.
  • Pipe Choir — «In the Garden». Это официально самая длинная песня по версии Книги рекордов Гинесса. Ее продолжительность составляет 3 часа, 1 минута и 37 секунд.
  • Bull of Heaven — The Chosen Priest and Apostle of Infinite Space. Рекордсменами по длительности выпущенных треков являются, безусловно, парни из Bull of Heaven. Эта альтернативная группа с начала своей музыкальной карьеры выпускали композиции продолжительностью от 8 до 30 часов. Конечно, особой популярности такая музыка не нашла, да и сама музыкальная составляющая по большей части напоминает шум, которые сменяется медленными пассажами, где солирует одна или несколько нот. Но песня The Chosen Priest and Apostle of Infinite Space стала абсолютным рекордсменом по длительности. Она звучит 2 месяца и 13 часов. Зачем такая композиция? Ну вероятнее, что все для того же хайпа и попытки остаться в истории. Последнее у них точно получилось.

17 лет в «Машине времени»

Андрей Державин и группа *Машина времени* | Фото: uznayvse.ru


Андрей Державин и группа *Машина времени* | Фото: stories-of-success.ru


Певец на сцене | Фото: stories-of-success.ru


Андрей Державин и группа *Машина времени* | Фото: bnkomi.ru

Макаревич обвинил британскую группу Radiohead в плагиате клипа «Машины времени» >>

Певец на сцене | Фото: uznayvse.ru

Все расстались абсолютно мирным образом. Более того, единственная песня авторства Державина «Эти реки никуда не текут» в концертной программе «Машины времени» осталась. Ее теперь поет Макаревич, а Державин получает отчисления. Просто она всем нравится, ее как пели, так и поютРазве можно проститься с тем, что любишь с юности? Просто в этом году начали пересекаться наши гастрольные графики, и мы решили, что лучше будет найти мне замену. Подводить друзей – не в моих правилах

1934

Камерный концерт Антона фон Веберна

Антон фон Веберн. Фотография ателье Брюльмейера. 1932 год

Ученик Шёнберга Антон фон Веберн пишет Камерный концерт, соч. 24, к 60‑летию учителя. Это сочинение положило начало интегральному сериализму, то есть такому способу сочинения музыки, при котором не только высоты, но и другие параметры звуков композиции подчиняются единым закономерностям, образующим ряды.

Основные «действующие силы» концерта выведены Веберном уже в первых трех тактах. Композитор делит серию на четыре сегмента, при одинаковой динамике разнящихся во всех остальных планах — мотивном, тембровом, ритмическом, артикуляционном. Эти краткие, лаконичные формулы не становятся в дальнейшем «собственностью» какого-то из инструментов или их групп, как предполагалось бы в случае развития традиционного принципа концертирования. Они развиваются по другим, внутренним законам, выводящимся здесь только из свойств самого материала. Поэтому соч. 24 — это не столько концерт инструментов в привычном понимании этого жанра, сколько «концерт идей», подчиненных пытливому уму художника и ученого. Создавая концерт, Веберн сам начертил в эскизах латинское изречение, читаемое одинаково во всех направлениях:



S A T O R
A R E P O
T E N E T
O P E R A
R O T A S

«Сеятель Арепо держит трудом колесо » (пер. Р. Л. Поспеловой). 

Камень с надписью-палиндромом SATOR AREPO TENET OPERA ROTAS. Церковь Сан‑Пьетро‑ад‑ораториум в Капестрано, Абруццо. VIII–IX век

Аналогично этому «палиндрому в квадрате» Веберн строит серию концерта и ее производные. Анализ данного сочинения Веберна, произведенный в свое время Карлхайнцем Штокхаузеном, стал хрестоматийным и положил начало многочисленным экспериментам в области поисков новой звуковой организации в 50-е годы. Наряду с Вариациями для фортепиано, написанными в 1936 году, это сочинение Веберна стало завершающим для огромного цикла развития европейской музыки, не только вернув ее в лоно виртуозной конструктивности франко-фламандской школы раннего Ренессанса, но и доведя до предела интонационной изощренности в рамках и традиционного инструментария.

  Концерт для девяти инструментов (соч. 24) Антона фон Веберна

Флейта

Без сомнения, флейта — самый древний музыкальный инструмент. И это подтверждено наукой. В 1973 году в Geißenklösterle в Германии археологи нашли части музыкального инструмента — примитивной флейты Schwanenknochenflöte. В 1990 году она была собрана из более чем двадцати фрагментов. Её возраст составляет больше 35 тысяч лет! Изготовлена эта флейта из лебединой кости, а её конструкция очень простая: три круглых отверстия и по глубокому пропилу с каждой из сторон. Звуки из этой флейты извлекались с помощью рта, а тембр регулировался закрыванием и открыванием отверстий пальцами.

В 1995 году на археологическом объекте Дивье Бабе в Словении была найдена неандертальская флейта, которая называется «флейта из Дивье Бабе». Её возраст оценивается примерно в 43 тысячи лет, и она является древнейшим из известных на сегодня музыкальных инструментов. Флейта изготовлена из бедренной кости пещерного медведя, в которой просверлено несколько отверстий. Но некоторые учёные ставят под сомнение то, что это именно флейта, а не просто кость со следами животного.

Что в древних флейтах, что в современных звук формируется при колебании воздушной струи, которая рассекается о края стенок инструмента. При закрывании или открывании каналов флейты можно регулировать высоту звука.

В середине XIX века Теобальд Бём — немецкий инструментальный мастер, флейтист и композитор — модифицировал флейту и создал современный музыкальный инструмент, который используют и в наше время. И если раньше большие пальцевые отверстия располагали там, где было удобно мастеру, что накладывало некоторые неудобства (все флейты были разными — приходилось привыкать к новому инструменту), то Теобальд расположил их в соответствии с акустическими принципами. А ещё он установил систему клапанов и колец, и теперь с помощью девяти пальцев музыкант может закрывать даже больше пятнадцати отверстий сразу. Использование клапанов позволило играть произведения в любых тональностях. Раньше для этого нужно было использовать различные духовые инструменты.

Для флейты написано множество произведений. Одним из самых известных является опера-зингшпиль Моцарта «Волшебная флейта».

И несколько интересных фактов о флейте. Самой большой флейтой считается созданный в 2014 году индийским мастером Бхаратом Сином музыкальный инструмент, длина которого составляет 3,62 метра. Кстати, Кришна — главное божество индуизма — изображается с флейтой из бамбука, из которой он, по преданию, создал мир. Самая дорогая флейта сейчас стоит 600 тысяч долларов. Это музыкальный инструмент от компании Powell производства 1939 года.

А вот ещё интересный факт: в горном уезде Иентхе, что во Вьетнаме, во времена повстанческого крестьянского движения на флейте не только играли музыку, но и использовали её в качестве холодного оружия для убийства людей. Поэтому если видишь флейтиста — лучше не зли его. Мало ли, вдруг это студент из Вьетнама.

Мученик 2pac

Один из самых культовых персонажей в истории рэпа начал пробиваться к славе еще в 1987 году. С первых треков 2pac покорял поклонников искренностью, умом и желанием достучаться до слушателя.

Свой самый успешный альбом All Eyez on Me Тупак выпустил 13 февраля 1996 года, незадолго до своей смерти. На данный момент в мире продано около 20-ти миллионов копий релиза, что делает его одним из самых коммерчески успешных в истории музыки. Многие критики и фанаты считают All Eyez on Me лучшим рэп-альбомом всех времён.

В середине девяностых между рэперами Восточного и Западного побережий был серьёзный конфликт. И те, и другие не признавали музыку оппонентов и считали трушными только себя. Дело не ограничивалось диссами и драками фанатов — часто доходило до убийств.

Из-за этого соперничества в сентябре 1996 года погиб 2pac, лидер Западного побережья. В ночь на 7-е сентября Тупака расстреляли, когда он ехал в автомобиле. Большинство людей, связанных с расследованием, считают, что рэпер был убит по заказу The Notorious B.I.G., лидера Восточного Побережья. Это событие возвело Шакура в ранг мучеников и изменило хип-хоп навсегда.

Своим вдохновителем Тупака позже называли такие крупные исполнители как Эминем, Снуп Догг, Wiz Khalifa, Lil Wayne, Дрейк, Кендрик Ламар и многие другие.

Классицизм

Классицизм появился на свет примерно в один период с барокко. Угасающий Ренессанс разделил области популярности первого и второго на разные регионы. Если ранний классицизм получил распространение во Франции, то барокко – в Италии и Германии. Поздний же классицизм в современном его понимании был развит венской школой, главные имена которой знает почти каждый школьник – Й. Гайдн, В.А. Моцарт и Л. ван Бетховен.

Богатый орнамент сменила простота и естественность. И хотя каждое из развивавшихся в Европе течений в искусстве приходило в Россию позже, когда на родине начинало угасать, его следы всё равно остались на улицах Санкт-Петербурга, украшенного стройностью и изяществом Мраморного и Таврического дворцов. Музыкальное же полотно изобиловало нормативностью при написании произведений. Подобное «законодательство» было создано в абсолютистской Франции под воздействием интереса к античной культуре, включая «Поэтику» Аристотеля. Жёсткие требования ставили целью создание идеального произведения, где каждый из элементов гармонично сочетался бы друг с другом.

И именно строгое сочетание при сохранении рамок стремления к искусству наиболее сильно проявилось в позднем классицизме венской школы. Каждый из накладываемых звуков идеально сходился с предыдущим, ритм в отдельных частях произведений был предсказуем, отчего возникало явление сбалансированности. Тщательная детализация всех элементов произведения завершили формирование таких музыкальных форм, как соната и симфония.

«Исторические этюды»

Книга советского музыковеда Соллертинского посвящена жизни и творчеству композиторов эпохи романтизма Автор успешно избегает клишированной интонации, свойственной биографиям романтиков — особенно в советской музыковедческой литературе. Творчество композиторов представлено в «Исторических этюдах» не самыми известными их произведениями. Например, у Бетховена Соллертинский рассматривает провалившееся в первой постановке единственное его оперное произведение «Фиделио».

Стремление Соллертинского к живому и небанальному изображению композиторов и их творчества вполне соответствует духу той эпохи — жестоких композиторских «войн» и выразительного «имиджа» творца. Хорошо показан хайп, возникший вокруг «Ифигении» Глюка, который заставил Париж забыть об Американской революции, на долгое время вытеснил литературные и политические темы из салонов и театральных фойе, вызвав взаимные оскорбления в журнальной полемике. В войне между «вагнерианцами» и «брамсиацами» Антона Брукнера причислили к первым из-за его большой любви к Рихарду Вагнеру. В то же время, Брукнер в своих симфониях стоял на позиции «абсолютной музыки», т. е. чистого искусства, что в корне противоречило основной концепции Вагнера о смерти непрограммной музыки и синтезе музыки и поэзии. Так Брукнер оказался «чужим среди своих».

Музыка в Северной Африке возникла на пару тысяч лет раньше, чем в Греции

Наоми Вайс (Naomi Weiss), доцент кафедры классики Гарвардского университета.

Любой специалист по древним цивилизациям может представить примеры музыки из своей области, хотя всегда можно переместиться и в более древние времена. Моя территория — Древняя Греция, примерно с VIII по IV века до нашей эры.

Я мог бы рассказать о пении бардов в «Илиаде» и «Одиссее», отражающем традиции, уходящие корнями в бронзовый век. Или об изображениях различных инструментов на древнегреческой керамике: там есть лиры, дудки, трубы, цимбалы, кастаньеты и барабаны. Или же о постановках классических афинских пьес вроде «Антигоны» Софокла или «Медеи» Еврипида. По сути, это были мюзиклы с вокальными хоровыми и танцевальными ансамблями и инструментальным сопровождением.

Или же о музыкальных конкурсах с профессиональными музыкантами, прославившимися по всему древнегреческому миру. Или, например, о развитии теории музыки в технических трактатах, относящихся по крайней мере к IV веку до нашей эры. А еще об обрывках греческой нотной записи на папирусах из Птолемеевского Египта, пара из которых, кажется, содержит мелодии песен, написанных Еврипидом несколькими столетиями ранее.

Однако ни один из этих примеров не рассказывает о «самой ранней» музыке. И если бы я представил их в отдельности, я бы в конечном итоге последовал общей тенденции в США и Европе рассматривать древнегреческую культуру с точки зрения истоков «западной» цивилизации. Истоков не только музыки, но и искусства, литературы, философии и самой демократии.

На самом деле, любой ассириолог расскажет вам, что многие ранние греческие музыкальные традиции и технологии, а также средства коммуникации, через которые они были переданы, прослеживаются на восток вплоть до древней Месопотамии. И, как подтвердит любой египтолог, имеются свидетельства развитой музыкальной культуры в Северной Африке, появившейся там на пару тысяч лет раньше, чем в архаической Греции.

Можно задать один интересный вопрос: что, по мнению древней культуры, было самой ранней музыкой? В древнегреческой мифологии музыка была прерогативой муз, родителями которых были Зевс и Мнемозина. Но были и другие представления о самой ранней музыке.

Орфей, играющий на лире

Как и сегодня, авторы песен любили позиционировать себя в длинной череде музыкантов, восходящих не только к мифическим фигурам, таким как Орфей, но и к более очевидным историческим фигурам, таким как Терпандр с Лесбоса, чьи песни и игра на лире в VII веке до нашей эры были особенно известны в Спарте. Прототипической формой песни часто считается плач: Геродот прослеживает это до Египта, в то время как одна из хоровых песен Пиндара изображает рождение различных музыкальных форм из траурного предсмертного крика Горгоны.

На самом деле это не так уж и отличается от современных представлений об эволюции музыки: этномузыколог Стивен Фельд (Steven Feld) предположил, что музыкальная полифония возникла из межкультурного феномена группового стенания во время плача.

А возможно, нам стоит последовать примеру древнегреческих мыслителей в подходе к этому вопросу, выходящему за рамки человеческой природы. Философ-перипатетик Хамелеон из Гераклеи понтийской, например, утверждал, что древние открывали музыку, подражая птицам — идея, которая сохранилась и в римский период. 

1859 год

Музыкальная драма Вагнера «Тристан и Изольда»

Мальвина и Людвиг Шнорр фон Карольсфельд. Первые исполнители заглавных партий в опере «Тристан и Изольда». Фотография Йозефа Альберта, 1865 год

Этапное сочинение как для музыкального театра, так и для музыкального искусства в целом. Несмотря на то что к этому моменту были готовы уже первые две части «Кольца Нибелунга», в которых Вагнер уже воплотил свой план реформы музыкального театра со сквозным развитием, отсутствием деления на арии и речитативы, лейтмотивной системой  При этой системе не только каждому персонажу или сценической ситуации, но даже предмету или чувству присваивается определенный мотив или гармонический оборот, возникающий всякий раз, когда композитору необходимо напомнить о нем. Количество лейтмотивов в операх Вагнера может превышать пятьдесят. Хотя лейтмотив не изобретение Вагнера и сам он этим термином никогда не пользовался, эта техника была для него одной из важнейших. в оркестровой партитуре, именно «Тристан» и по сей день остается одним из самых смелых оперных творений за всю историю развития оперного театра. Необычайно медленное развитие сюжета, натуралистическое для своего времени изображение эротических переживаний в музыке, а главное, резко обозначившийся распад в использованных композитором выразительных средствах сделали это пятичасовое сочинение рубежным для музыкального театра, бесповоротно похоронившим старую модель XVIII века и вынудившим композиторов следующего поколения искать новых путей. Мимо открытий Вагнера не мог пройти даже пожилой Верди («Отелло», «Фальстаф»), не говоря уже о Пуччини, Рихарде Штраусе и Клоде Дебюсси. С этого момента Германия становится источником революционных идей не только в инструментальной музыке, но и в музыкальном театре, окончательно потеснив своего главного музыкального соперника — Италию.

  Увертюра к опере Вагнера «Тристан и Изольда»

Точка отсчета — средневековье

С одной стороны, рождением музыки правильнее было бы считать то время, когда первобытный шаман впервые завел танец вокруг костра, подпевая и аккомпанируя себе притопыванием ног и хлопками рук. Но, с другой стороны, мы так мало знаем о том историческом периоде, что неизбежно попадаем в область сплошных догадок и теоретических построений. Поэтому периодизацию классической музыки принято начинать примерно с 1000 года — с эпохи позднего Средневековья, вплоть до 1600 года — до Возрождения.

Григорианский хорал (от лат. cantus gregorianus — григорианское пение), традиционное литургическое песнопение римско-католической церкви. Исполняется мужским хором в унисон. Является основой ранних форм европейской полифонии

Огромное влияние на все сферы жизни в то время имела церковь. Поэтому нет ничего удивительного, что пение священных текстов стало одним из первых музыкальных направлений. Григорианские хоралы известны по сей день и заслуженно считаются одними из красивейших образцов вокальной музыки.

До 1025 года музыкальные знания, как и во многих других областях, передавались от учителя к ученику. Единого способа звуковой записи не существовало. Но именно этот год стал поистине поворотным в истории музыки. Монах Гвидо д’Ареццо разработал и предложил систему музыкальной нотации, то есть изобрел ноты. Отныне любой музыкант мог прочесть и в точности воспроизвести любую записанную в этой системе мелодию.

Хоральное пение и песенная традиция трубадуров, многоголосые мессы, ставшие первыми полифоническими произведениями, богатейшие аранжировки произведений для церкви и светские мадригалы и мотеты — вот наследие, оставленное нам музыкантами того времени. Еще одним поворотным моментом, а заодно и витком, завершившим ранний период, стало возникновение оперы. Опера — это революционное сочетание музыки и поэтического искусства.

Откуда взялись названия нот

Существующая система наименований появилась благодаря гимну святому Иоанну «Ut queant laxis», который Гвидо использовал для распевки на музыкальных занятиях. Каждая следующая строчка этого произведения начиналась на ступеньку выше.

Первые шесть нот позже были названы как первые слоги каждой строки гимна, седьмую по аналогии добавили позже из следующей строки того же гимна.

Ut queant laxisResonare fibrisMira gestorumFamuli tuorumSolve pollutiLabii reatumSancte Ioannes

Первый неудобный слог Ut в XVII веке заменили на более мелодичное ДО. Есть мнение, что название ноты произошло от латинского Dominus, что значит – Господь.

Атлантская школа хип-хопа

Следующая страница истории рэпа была написана в Атланте.

В 2003 году дуэт Outkast, состоящий из Andre 3000 и Big Boi, выпустил альбом Speakerboxxx/The Love Below. Это пятый релиз коллектива и, без сомнения, самый главный.

Работа вошла в историю хип-хопа по нескольким причинам. Во первых, это даже не один альбом, а сразу два — по сольнику на каждого исполнителя. Чтобы прослушать весь релиз, нужно потратить несколько часов — таких лонгплеев тогда не делал никто.

Во вторых, альбом имел колоссальный коммерческий успех: только в США он получил 11 платиновых статусов и семь недель лидировал в чарте Billboard.

В третьих, благодаря альбому Outkast продвинули в массы атлантскую школу хип-хопа. Мелодичный стиль с напевами отличался от популярного тогда агрессивного рэпа.

В четвертых, работа получила премию «Грэмми». Это не первая статуэтка, которую получали рэп-исполнители в мире, да и у самих Outkast уже была парочка премий. Но в 2004 релиз в стиле хип-хоп впервые выиграл в номинации «Лучший альбом».